CASIO  - UMA HISTÓRIA DE SUCESSO

COM UM TRABALHO DE MARKETING IMPRESSIONANTE, A CASIO CONQUISTOU O GRANDE E FAMINTO MERCADO DOS MÚSICOS PROFISSIONAIS TORNANDO-SE PRIMEIRA OPÇÃO PARA VÁRIOS ARTISTAS DE RENOME NACIONAL E INTERNACIONAL. ACOMPANHE SUA HISTÓRIA!

* Rafael Sanit

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A Casio nasceu em abril de 1946 criada por Tadao Kashio, um engenheiro especializado em tecnologia. Originalmente chamava-se “Kashio Seisakusho” e fabricava o cachimbo  YUBIWA, que consistia em um anel para dedo onde era possível encaixar um cigarro aceso permitindo aos fumadores fumarem os cigarros por completo e deixar as mãos livres para trabalhar. Estranho não é mesmo? Pois acredite; a Casio só veio a produzir o seu primeiro instrumento musical em 1980, o CASIOTONE 201 com 49 teclas, alto falante embutido, 29 sons predefinidos, caixa de madeira, polifonia de 8 notas, capaz de reproduzir o som de vários instrumentos. Uma curiosidade é que o CASIOTONE 201 tinha os seus comandos  no lado direto do instrumento.

Após o lançamento do Casio tone 201, seu primeiro teclado eletrônico, a Casio desenvolveu vários recursos que somente foram possíveis com o uso da tecnologia digital. Isso inclui autoacompanhamento com um toque, capacidade de memória para gravação e reprodução de músicas, reprodução automática, função guia de melodia para orientar os usuários durante a reprodução de uma música iluminando as teclas e tecnologia de “amostras” para a gravação de sons a serem usados como fontes.

A Casio expandiu a classe de instrumentos para pessoas que gostam de criar, produzir e estudar música, lançando além dos pianos digitais, arranjadores, sintetizadores, workstations, além de linhas de teclados para estudo e teclados infantis.

Em  janeiro de 2009, a Casio inaugurou uma nova subsidiária no Brasil, responsável apenas por vendas no país, chamada Casio Brasil Comércio de Produtos Eletrônicos LTDA, localizada em São Paulo. Com o aumento de demanda no mercado emergente da América Latina, a Casio decidiu fechar o escritório em Miami, responsável pelo mercado da América Latina e juntar suas operações todas no Brasil e, desde outubro de 2011, o escritório de São Paulo acumulou funções para o mercado Latino Americano por completo, fazendo um trabalho de marketing impressionante e tirando o rótulo de teclado de iniciante da Casio. Esse trabalho de marketing é o ponto mais impressionante, pois a Casio virou primeira opção para vários artistas de renome internacional e, definitivamente, conquistou o grande e faminto mercado dos músicos profissionais.

Seguindo esse trabalho de marketing, a Casio tem investido em parceiros e endorsees. Grandes tecladistas e pianistas passaram a acreditar e usar os teclados da Casio em suas apresentações ao vivo, estúdios de gravação/produção musical, programas de televisão e workshops, principalmente as linhas de piano digital PRIVIA e CELVIANO, os Arranjadores MZ-X500 e 300, e os sintetizadores XW-P1 e XW-G1. Em outras palavras, os produtos da Casio Teclados são presença massiva em todos os segmentos musicas.

A Casio conquistou a exigente classe de tecladistas, fato esse que vem sendo confirmado em todo Brasil através do uso continuo nos sets por esses músicos tecladistas e produtores.

A VOZ DE QUEM FAZ!!

“Sabendo que o músico é o nosso principal consumidor, desde o início das  operações no Brasil, nosso foco foi apresentar toda linha de instrumentos, já que não era de conhecimento da grande maioria que a Casio tinha produtos profissionais. Hoje, graças ao empenho de toda a nossa equipe, que trabalha todos os dias com o intuito a levar o melhor ao nosso cliente. Desde o assistente comercial, que facilita os processos até os instrumentos chegarem às lojas; os lojistas - que fazem nossos instrumentos chegarem às casas de cada um; e nossos endorsees que levam a marca para o palco e desempenham, na minha opinião, o principal papel para o nosso crescimento - pois é através do seu talento e trabalho que nossa marca chega aos olhos de nossos consumidores”, finaliza Rômulo Gonçalves - Gerente de Contas - Especialista em Vendas da Casio.

Navegue no site da Casio:

http://www.casioteclados.com.br/

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* Rafael Sanit é tecladista, Dj e produtor musical. Demonstrador de produtos Roland e Stay Music, realiza treinamentos para consultores de lojas através de workshops e mantém uma

coluna na Revista Keyboard Brasil. É endorsee das marcas Roland, Stay Music, Mac Cabos, First Audio, Mogami Cables e Jones Jeans. 

CIBERPAJÉ  Pós-Quintessência

A Arte como forma de transformação cósmica

UM TRABALHO DESAFIADOR E INSTIGANTE COM UMA RIQUEZA DE TIMBRES E TEXTURAS. É COMO DEFINO PÓS-QUINTESSÊNCIA, DÉCIMO EP DO PROJETO CIBERPAJÉ, DE EDGAR FRANCO!

  * Por Sergio Ferraz

https://new.myspace.com/oviolinista

https://soundcloud.com/sergio-ferraz

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http://www.womex.com/virtual/zeppelin_fabrica_de/sergio_ferraz

http://ethnocloud.com/SERGIO_FERRA

Para mim é sempre uma alegria, um acontecimento especial poder falar de um trabalho de vanguarda de um artista brasileiro.

Sempre tenho a impressão de que, aqui no nosso país, a pressão vinda de uma sociedade engessada em padrões e preconceitos acaba por minar o trabalho de muitos artistas que não se sentem confiantes em quebrar tais padrões e acabam sendo “engolidos” pelo mercado.

Felizmente esse não é o caso do Edgar Franco. O Ciberpajé sabe, como poucos, ir muito além das meras convenções, quebrando barreiras levando o espectador a vivenciar uma música de transformação cósmica.

Pós-Quintessência é o décimo EP do projeto Ciberpajé. Neste EP de cinco faixas, Edgar Franco reuniu artistas contemporâneos de diversas regiões do Brasil que trabalham com a composição eletrônica não comercial. Cada um dos artistas já havia participado antes da série de EPs do Ciberpajé individualmente. São eles: Each Secound (SP), Goruim (MT), Punkal Suluk (DF), Alan Flecha (AP) e o músico pernambucano que aqui escreve esse texto.

A ideia deste projeto foi compor músicas com a voz do Ciberpajé recitando seus próprios aforismos - “... proposições que exprimem de maneira sucinta uma verdade, uma regra ou uma máxima concernente à vida prática” (Abbagnano, 2007). 

É curioso observar como cada um dos convidados trabalhou o aforismo, que neste caso são curtos, apenas uma única frase, tornando o trabalho ainda mais desafiador. Há, também, uma riqueza de timbres e texturas, tonando o Pós-Quintessência um trabalho instigante, com uma grande variedade de estilos e peculiaridades de cada artista ali envolvido.  

Os cinco artistas convidados usaram a técnica da composição eletrônica contemporânea, música concreta, minimalismo, música aleatória e progressiva. Os aforismos ganharam cada qual sua própria personalidade musical, ricas em cores e sons.

São eles: I “Tudo que sei é que o Sol está aqui, e isso sempre me bastou. O Sol iluminando-me.” (com Each Second), II “Portos seguros não são mais do que túmulos antecipando a morte dos covardes.” (com Gorium), III “Quem não dialoga com seu demônio interior será devorado por ele!” (com Punkal Suluk), IV “Olhar para dentro de si é vislumbrar o cosmos inteiro.” com Sergio Ferraz), V “A onça descansa onde o finito não alcança.” (com Alan Flecha).

Pós-Quintessência integra e une diversos artistas que compartilham de uma filosofia libertadora e transformadora do espírito humano.

https://lunarelabel.bandcamp.com/album/p-s-quintess-ncia

Você pode baixar o EP Ciberpajé – Pós-Quintaessência com capa e encarte, tudo gratuito, através do link acima.

SAIBA MAIS SOBRE EDGAR FRANDO , O CIBERPAJÉ:

http://ciberpaje.blogspot.com.br/

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* Sergio Ferraz é violinista, tecladista e compositor. Bacharel em música pela UFPE, possui seis discos lançados até o momento. Também se dedica a composição de músicas Eletroacústica, Concreta e peças para orquestra, além de ser colunista da Revista Keyboard Brasil.

AS ONDAS BINAURAIS E SUA UTILIZAÇÃO EM MÚSICAS

VOCÊ SABIA QUE MUITOS ARTISTAS JÁ EXPLORARAM AS GRAVAÇÕES BINAURAIS? LOU REED, PINK FLOYD E PEARL JAM SÃO ALGUNS DESSES GRANDES ARTISTAS. VEJA A SEGUIR!

* Por Heloísa Godoy 

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As conhecidas batidas ou ondas binaurais ou, ainda, 3D - nomenclatura mais recente - descobertas, pela primeira vez, em 1839 pelo físico prussiano e meteorologista chamado Heinrich Wilhelm Dove, foi trazida para a comunidade científica através de um artigo acadêmico chamado Auditive Baets In The Brain (Scientific American, 1973) escrito pelo biofísico Gerald Oster. A partir deste artigo tornou-se uma ciência séria e respeitada. Neste artigo, Oster concluiu que seria possível realizar alterações de comportamento fisiológico induzidas hormonalmente  através da medição das batidas binaurais.

No entanto, somente nos últimos 40 anos, engenheiros de som e cientistas provaram os pressupostos de Oster e demonstraram os benefícios de usar as batidas binaurais em diferentes aspectos do desenvolvimento pessoal e bem estar. Porém, a tecnologia não fica apenas nos tratamentos.

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A AUDIÇÃO BINAURAL

As diferenças de fase entre o ouvido direito e o esquerdo são um dos aspectos que compõem nossa audiência binaural. A localização do som se origina no fato de que as orelhas estão distanciadas e, como tal, o cérebro sempre registra pequenas diferenças de fase, intensidade e espectro do som que atingem cada orelha. Em “Gwely Mernans” de Aphex Twin's Drukqs, podemos ouvir com fones de ouvido, as batidas baixas e tons altos que oscilam em torno da cabeça, usando o tempo de mudança e as diferenças de nível entre os dois ouvidos.

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Muitos artistas já exploraram as gravações binaurais. Entre eles, Lou Red e as bandas Pink Floyd e Pearl Jam. 

Inventivo e imprevisível, Lou Reed - um dos mais influentes guitarristas e compositores, que ajudou a construir quase 50 anos de rock and roll, morto em 2013. Com o Velvet Underground no fim dos anos 60, Reed fundiu o sentimento de urgência das ruas com elementos da música avantgarde europeia, casando beleza com distorção e trazendo toda uma nova honestidade lírica à poesia do rock. Como artista solo inventivo e incansável, dos anos 70 até 2010, foi camaleônico, controverso e imprevisível, desafiando os fãs a cada passo. Gêneros como glam, punk e o rock alternativo seriam impensáveis sem o exemplo revelador de Lou Reed. “Um acorde já está bom”, disse ele certa vez, se referindo ao estilo cru que tinha ao tocar guitarra. “Dois acordes é o limite. Com três, já vira jazz.”

Sem medo do fracasso comercial, continuou sendo um dos poetas musicais mais influentes até sua morte em 2013. Nunca se esquivou da experimentação e abraçou o ambiente criativo estimulado por Andy Warhol na década de 1970. Brian Eno afirmou que, enquanto o álbum de estréia de Velvet Underground vendeu apenas 30 mil cópias, “todos os que compraram uma dessas 30 mil cópias começaram uma banda”.

Em suas experimentações, ao lançar seu primeiro álbum pop comercial no ano de 1978, “Street Hassle”, Lou Reed usou as ondas binaurais. O registro foi orgulhosamente comercializado como uma gravação binaural. Isso foi antes do advento do disco compacto e fitas cassete, então os ouvintes tocavam o disco de vinil utilizando seus fones de ouvido para experimentar a música da maneira correta. Tempos depois, lançou mais dois álbuns com essa técnica: Live: Take no Prisioners e The Bells.

A banda britânica de rock Pink Floyd, formada no ano de 1965, atingiu sucesso internacional com sua música psicodélica e progressiva. Seu trabalho foi marcado pelo uso de letras filosóficas, experimentações musicais, encartes de álbuns inovadoras e shows elaborados. 

No ano de 1983, a banda usou a técnica das batidas binaurais no disco “The Final Cut”, na faixa “Get Your Filthy Hands Off My Desert”, onde uma explosão 3D é ouvida pelo ouvinte. 

Finalizando temos também a banda norte-americana de rock alternativo e um dos principais nomes do grunge, Pearl Jam, formada no ano de 1990. No ano 2000, lançaram o álbum Binaural. O título é uma referência à técnica de gravação binaural, utilizada em diversas faixas pelo produtor Tchad Blake. Destaque para a música “Of the Girl”, trilha do filme “Onde os fracos não tem vez”.

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* Heloísa Godoy é pesquisadora, ghost writer e esportista. Há 20 anos no mercado musical através da Keyboard Editora e, há 10 no mercado de revistas, tendo trabalhado na extinta Revista Weril. Atualmente é publisher e uma das idealizadoras da Revista Keyboard Brasil - publicação digital pioneira no Brasil e gratuita voltada à música e aos instrumentos de teclas.

450 anos de CLAUDIO MONTEVERDI

o maior inovador da história da música ocidental

REVOLUCIONÁRIO NA MÚSICA, CLAUDIO GIOVANNI ANTONIO MONTEVERDI, É O PRIMEIRO GRANDE NOME DA HISTÓRIA DA ÓPERA. E NÃO SE TRATA APENAS UMA CURIOSIDADE HISTÓRICA, MAS UM EXCEPCIONAL DRAMATURGO CUJAS CRIAÇÕES, ENCENADAS HOJE, CONTINUAM PERFEITAMENTE CAPAZES DE CAPTURAR A ATENÇÃO DO ESPECTADOR MODERNO. HERDEIRO DOS GRANDES MADRIGALISTAS, VISIONÁRIO DA NOVA ARTE, MONTEVERDI É UM DOS MAIORES  REFORMADORES DA MÚSICA.

* * Por Maestro Osvaldo Colarusso

http://www.gazetadopovo.com.br/blogs/falando-de-musica

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Nascido há exatos 450 anos, em maio de 1567 (não se sabe a data precisa, a única certeza é que foi batizado no dia 15 daquele mês), o compositor italiano Claudio Monteverdi inventou tantas coisas que podemos arriscar chamá-lo de “o maior inovador da história da música ocidental”.

É evidente que toda esta série de inovações teriam pouca relevância se não estivessem a serviço de algumas das composições mais belas e geniais de que se tem notícia. Pelo fato de Monteverdi não ter escrito para instrumentos mais conhecidos, como o piano, ou formações instrumentais modernas, como uma orquestra sinfônica, seu nome não é citado espontaneamente pelo grande público como um dos maiores compositores da história, mas defendo que Monteverdi é um criador musical da mesma estatura de Bach, Mozart ou Beethoven. 

Monteverdi foi o primeiro autor de óperas de alta qualidade, e a prova disso é que  “La favola d'Orfeo”, de 1607 é a ópera mais antiga que é montada com frequência nos dias de hoje. Não só o enorme número de inovações, sobre as quais discorrerei neste texto, são em si uma novidade, mas é interessante notarmos que ao publicar suas primeiras obras quando tinha apenas 15 anos de idade, isso em 1582, torna Monteverdi o primeiro prodígio musical da história.  Exemplo raro, dominou duas linguagens musicais antagônicas ao mesmo tempo e, isso até o final da vida: a música sacra polifônica (do estilo de Palestrina) e a música nova que emanou das ideias de um grupo de compositores que chamamos de “Camerata Fiorentina” (do qual Monteverdi não fez parte), aquele que “inventou” a ópera. 

Se foi em Florença que as novidades musicais mais modernas daquela época (final do século XVI) foram inventadas, foi através de Monteverdi, especialmente na cidade de Mântua, que elas foram usadas a serviço de obras primas. Os compositores da Camerata Fiorentina como Caccini, Peri e Galilei, eram inteligentes e espertos  mas, Monteverdi, além destas mesmas qualidades, era o único em seu meio a ser um autêntico gênio.

– Inovações...

Talvez a mais significativa inovação de Monteverdi seja algo que é corriqueiro hoje em dia, mas que era algo totalmente impensado na época do compositor: especificar qual instrumento deveria ser utilizado num determinado trecho. Monteverdi é, portanto, o mais importante precursor da orquestração. Ele o faz, em sua ópera “Orfeo” de 1607, de duas maneiras distintas: ou em um prefácio diz quais instrumentos devem ser usados ou especifica o nome do instrumento numa determinada linha (pentagrama). Na cena em que Orfeu tenta comover as fúrias para chegar ao reino dos mortos para reaver sua amante Euridice (“Possente spirto”, terceiro ato), pela primeira vez na história, o nome dos instrumentos desejados está bem claro em cada pentagrama como mostra esta edição da época do compositor:

Monteverdi, que dominava diversos instrumentos de cordas, coloca pela primeira vez para um conjunto de instrumentos de arco a instrução de “pizzicato” (as cordas beliscadas com os dedos). De maneira bem didática, na partitura de “Combatimento de Tancredo e Clorinda” (do VIII livro de madrigais, de 1638) vem escrito num certo momento: “Aqui se se dispensa o arco e se puxam as cordas com dois dedos”. Em seguida escreve: “Aqui se pega o arco de volta”. Na mesma obra, Monteverdi cria o “tremolo”, notas repetidas de forma bem rápida, para descrever a batalha entre os dois personagens. Nesta obra, também vemos as mais antigas instruções de dinâmicas musicais: Forte e Piano. 

Além disso, ao reutilizar certos trechos musicais em sua ópera “Orfeo” (mais uma vez) para simbolizar o mundo dos mortais, pode-se dizer que ele é o precursor do “leitmotiv”, técnica que Wagner usará com frequência 200 anos depois.

– Novidades Harmônicas...

Falando de coisas mais técnicas, que envolvem conhecimentos musicais, Monteverdi foi o primeiro compositor a usar de forma constante um dos acordes mais usuais na música ocidental, o acorde de sétima de dominante. Também em suas obras temos o mais antigo uso de uma sequência harmônica conhecida como “cadência perfeita”, que definem bem claramente a tonalidade de uma música. Ele realmente fez a transição musical da renascença para o barroco, do modalismo para o tonalismo. Podemos situá-lo numa posição histórica análoga à do pintor Caravaggio, que com o “claro-escuro” faz a pintura ingressar numa nova estética.

– Óperas perdidas e esquecimento...

Das geniais óperas de Monteverdi conhecemos a primeira delas “La favola d'Orfeo” (Mântua, 1607) e as duas últimas: “Il ritorno d'Ulisse in pátria” (Veneza, 1640) e “L'incoronazione di Poppea” (Veneza, 1642), duas obras em que há dúvida de serem integralmente da autoria do autor.

Uma das maiores tragédias da história da música reside no fato de que ao menos seis óperas de sua autoria (quatro para Mântua e duas para Veneza) estarem irremediavelmente perdidas, pois suas partituras, não editadas, foram destruídas principalmente por causa de guerras, ainda no século XVII. 

Se o refinado público delineava um meio ideal de trabalho para “Orfeo”, inclusive com todos os elevados custos sendo pagos pelos nobres de Mântua, as duas últimas denotam um ambiente bem diferente: foram escritas para teatros que viviam da venda de ingressos, e para um público que buscava apenas um divertimento. Por isso são obras extremamente longas e desiguais, mas que apresentam momentos geniais, o que justifica serem montadas com frequência.

Por mais de 300 anos a música de Monteverdi permaneceu esquecida e somente no século XX, através do pioneirismo de Fracesco Malipiero na Itália e Nadia Boulanger na França, que a sua obra, aos poucos, conquistou um grande público. O maestro Nikolaus Harnoncourt foi de uma importância enorme ao revelar para o público moderno, na década de 1960,  o som dos instrumentos usados por Monteverdi em suas óperas e madrigais com seu grupo vienense “Concentus Musicus”.  

Seja na música sacra (ele foi por décadas o responsável pela música na Basílica de San Marco de Veneza), através principalmente do “Vespro della Beata Vergine”, de 1610, a mais importante obra sacra do século XVII, na música vocal, através dos 8 livros de Madrigais, ou nas óperas, a produção de Monteverdi permanece como uma das maiores glórias das artes em todos os tempos.

– Monteverdi no Brasil...

Não posso deixar de citar o nome de alguns músicos brasileiros que fizeram realizações marcantes no Brasil, divulgando algumas das obras máximas do mestre. Primeiramente lembro de Roberto Schnorrenberg, o falecido maestro paulista, que realizou em 1968 em São Paulo a primeira audição brasileira do “Vespro della Beata Vergine”. Esta mesma obra foi regida de maneira brilhante também pelo maestro Abel Rocha diversas vezes,  com diversos corais e grupos instrumentais. 

É importante lembrar do importante empenho do cravista carioca Marcelo Fagerlande, que coordenou a primeira execução brasileira da ópera “Orfeo” (Sala Cecília Meireles – 1998. Theatro Municipal do Rio – 2007). 

A cantora curitibana Marília Vargas é outro expoente no que se refere a Monteverdi, no país e no exterior: participou da histórica montagem de “Orfeo” no Liceu de Barcelona sob a regência de Jordi Savall em 2002 e inclui diversas páginas de Monteverdi em seus recitais (até em insólitas parcerias com André Mehmari). 

E não posso deixar de lembrar da excepcional competência da Camerata Antiqua de Curitiba, com a qual montei o “Sétimo livro de Madrigais”  (São Paulo 1987) e o “Oitavo Livro” (Curitiba 2001).

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* Osvaldo Colarusso é maestro premiado pela Associação Paulista dos Críticos de Arte (APCA). Esteve à frente de grandes orquestras, além de ter atuado com solistas do nível de Mikhail Rudi, Nelson Freire, Vadim Rudenko, Arnaldo Cohen, Arthur Moreira Lima, Gilberto Tinetti, David Garret, Cristian Budu, entre outros. Atualmente, desdobra-se regendo como maestro convidado nas principais orquestras do país e nos principais Festivais de Música, além de desenvolver atividades como professor, produtor, apresentador, blogueiro e colaborador da Revista Keyboard Brasil.

** Texto retirado do Blog Falando de Música, do jornal paranaense Gazeta do Povo.

 PIANO, O REI DOS INSTRUMENTOS

- Segunda Parte - 

EM NOSSA PRIMEIRA PARTE, VOCÊ REPAROU A HISTÓRIA ESPETACULAR DO PIANO! AS CURIOSIDADES, ENTÃO, IMPRESSIONANTES! IMAGINE VOCÊ, UM INSTRUMENTO MUSICAL QUE TENHA ENTRE 4 MIL E 7 MIL E QUINHENTAS PEÇAS! DÁ PARA IMAGINAR A COMPLEXIDADE DO FUNCIONAMENTO DISSO TUDO? VAMOS, ENTÃO, COMEÇAR MAIS UM ELENCO DE CURIOSIDADES SOBRE O REI DOS INSTRUMENTOS.

* Por Luiz Carlos Rigo Uhlik

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A primeira grande curiosidade é exatamente esta: um bom piano de cauda tem entre 4 mil e 7 mil e quinhentas peças. O mais interessante disso tudo é que a resistência deste instrumento é ímpar. Se você esmurrar as teclas, bater com força, nada vai acontecer.

Essa história de fechar o piano com chaves para que as pessoas, principalmente crianças, não "estraguem" o piano é fantasia. Dificilmente alguém vai conseguir quebrar o mecanismo do piano, a não ser que use um objeto contundente. O máximo que pode acontecer é a chateação de alguém fazendo do som delicado do piano um barulho infernal! Portanto, apesar de tantas peças e tantos detalhes, o piano é extremamente resistente às "porradas", no bom sentido.

Esta curiosidade é fantástica, e complementa o item anterior: um piano tem entre 210 e 230 cordas. Isso mesmo! É um instrumento percussivo, porque a ação de percussão do martelo é que gera o som; mas, também, é um instrumento de corda. E agora, José? O piano é um Instrumento de Percussão ou de Corda?

 Mais de dois milhões de pessoas, anualmente, começam a aprender música com o piano.

O Piano mais famoso do mundo foi desenvolvido por Engelhard Steinweg. Engelhard americanizou o seu nome para Henry E. Steinway em 1853. Claro! Bem mais fácil de influenciar o povo americano com um nome americanizado!

Retornando à cronologia, iniciamos o século XIX:

Veja que interessante: em 1801, Edward Riley obtém a patente para o “Transposing Piano”, um mecanismo que movimentava o teclado, lateralmente, para tocar notas em outros tons. E você achando que apertar o botão TRANSPOSE do seu Teclado, ou EP, é coisa atual, tecnologia recente...

Erard Brothers, junto com Silberman, eram os grandes fabricantes de pianos da época. Erard, disparado, o melhor piano. Tanto que, em 1803, Beethoven ganhou um de seus modelos de presente. Se transformou numa espécie de “Endorser” da marca, já que ele tinha muitos alunos importantes da sociedade! Os pianos Erard se caracterizavam pela “qualidade” sonora e pelos avanços tecnológicos implementados nos seus modelos.

Em 1808, a Erard patenteia o Agraffe; em 1809, desenvolve uma espécie de “bucha” para firmar as cravelhas e manter a afinação por um período maior. Também introduz o "Roller Double Escapement" nas partes da Ação dos Pianos, permitindo maior firmeza e velocidade nas notas repetidas. Os tecladistas ficavam loucos com estes avanços.  Podiam, dia após dia, desenvolver técnicas mais apuradas de sonoridade e interpretação!

Só em 1807 é que surge o fabricante francês de piano mais famoso do mundo: a Pleyel.

Em 1810 aparecem os primeiros “Giraffes”, pianos de cauda na posição vertical. Isso, mesmo: eram pianos de cauda em que a cauda não ficava na posição horizontal mas, sim, na vertical! O objetivo, claro, era permitir que as famílias tivessem um piano de boa sonoridade em espaços menores.

Só em 1820 é que a revolução da sonoridade do piano começa: Thom and Allen, de Londres, desenvolvem o primeiro Frame de Metal para os Grands. Isso significa que, antes desta data, os “frames” eram de madeira, o que não permitia uma boa sonoridade, tampouco, afinação. A introdução do “Agraffe”, em 1808, e o frame de metal, transformaram, verdadeiramente, a sonoridade do piano. Mas, ainda assim, o som era estranho e pouco atraente para os compositores da época. Mas, era o que tinha; e os fantásticos compositores do período transformaram a música no espetáculo que conhecemos hoje, principalmente os Concertos de Piano e Orquestra!

A revolução das 88 teclas começa somente em 1822, quando foi introduzida as 7 oitavas nos pianos Erard. Repare que Erard era sinônimo de avanço e qualidade sonora.

Lembra dos “Square Pianos”, século XVIII? Pois bem, só em 1825 Alpheus Babcock patenteia o “first single-piece metal frame” para os “Square Pianos”, em Boston. Prestou atenção? Boston! Nem na Europa os “Square Pianos” conseguiam sustentar a afinação. Teve que aparecer um americano para melhorar o desempenho desses modelos. E o Brasil só começava a sua Independência com o Imperador D. Pedro I.

Guarde bem este ano: 1826. Somente em 1826 os pianos começaram a ter a sonoridade aveludada, mais sutil, menos metálica, em função da patente de Henri Pape, que passa a utilizar feltro para recobrir os martelos. Então, é exatamente neste ano que começa a revolução do som do piano; em 1826 os pianos passam a ter a sonoridade típica dos pianos atuais. Entretanto, vou reforçar: o som ainda era fraquinho, se comparado com os pianos que temos a disposição hoje, para comprar e vender!

O mesmo Henri Pape, em 1828, passa a utilizar as cordas cruzadas nos seus modelos Uprights.

Olha que fantástico! Em 1848, Alexander Bain patenteia o primeiro piano automático, utilizando um rolo de papel perfurado. Na verdade, ele aperfeiçoou a ideia de Claude-Felix Seytre que em 1842 já havia projetado este tipo de mecanismo.

A primeira grande Feira de Pianos somente aconteceu em 1851, em Londres, onde a grande vedete era, sem sombra de dúvidas, a Erard, sinônimo de qualidade na fabricação de Pianos. Reparou? Passaram-se, praticamente, 150 anos para que o Piano se transformasse num verdadeiro produto de consumo e um grande negócio.

As mãos habilidosas de Henry Steinway, Jr. produzem os primeiros Grands com as 'cordas cruzadas'. O sucesso de Henri Pape, nos Uprights, passou a integrar a revolução das cordas cruzadas nos pianos de cauda!

A partir de 1860 os “Square Pianos” sofrem um declínio considerável nas vendas. As novas tecnologias empregadas nos Uprights e Grands agradam o público  e passam a ser o alvo dos ávidos consumidores de Pianos Acústicos da época.

A Escala Dupla, que proporciona maior brilhantismo aos sons médios e agudos, foi desenvolvida e patenteada por Theodore Steinway, em 1872. Repare: martelos recobertos com feltro, Frame de metal e Escala Dupla começam a transformar a qualidade do som do piano.

Mais uma vez a Família Steinway revoluciona a fabricação dos pianos com a patente do Pedal Sostenuto. Albert Steinway amplia o potencial de interpretação pianística com mais esta implementação!

Os japoneses entram pela porta da frente na fabricação de Pianos. Em 1878, na Paris Exhibition, surge o primeiro modelo japonês de um “Square Piano”. Os orientais chegaram tarde; mas chegaram. Os modelos Square já estavam em declínio; entretanto, a perseverança dos orientais passa a influenciar a Europa e os Estados Unidos.

Se você pensa que a Wurlitzer só fabricou pianos elétricos, está totalmente enganado. A empresa se estabelece como fabricante de Pianos Acústicos em 1880.

A Renner, mais famosa fabricante de componentes para pianos, estabelece a sua fábrica em 1882. A partir da Renner começa a segmentação do mercado de pianos, proporcionando terceirização na produção de peças e componentes.

Em 1899, Torakusu Yamaha inicia a produção de pianos em Hamamatsu.  Este é o início da história do maior fabricante de Instrumentos Musicais do Mundo. 

Vamos, então, para um pequeno resumo do que aconteceu no século XIX: 

O Piano começa, no século XIX, ter a tão sonhada qualidade sonora idealizada pelos compositores e intérpretes.

A introdução do feltro nos martelos, Frame de metal, cordas cruzadas, agraffe, escala dupla, pedais, começa a transformar o som do piano na maravilha que conhecemos hoje.

Tanto que as grandes e famosas marcas de pianos, do mundo, começaram as suas atividades neste século: Pleyel, Bösendorfer, Grotrian, Knabe, Seiler, Steinway, Blüthner, Bechstein, Mason & Hamlin, Wurlitzer, George Steck, August Foster, Feurich, Aeolian, Baldwin, Petrof, Schimmel, Estonia, Story & Clarck, Kohler & Campbell e Yamaha.

Entretanto, o mais importante foi que a especialização e exigência na qualidade do mecanismo foi tanta, que houve a necessidade de desenvolver companhias específicas para a produção de peças e componentes para o Piano, como foi o caso da Renner. Interessante, não?

Na próxima Edição, a última parte da História Fantástica do Piano!

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*Amante da música desde o dia da sua concepção, no ano de 1961, Luiz Carlos Rigo Uhlik é especialista de produtos e Consultor em Trade marketing da Yamaha do Brasil., além de colunista nas Revistas Keyboard Brasil e Música & Mercado (  http://musicaemercado.org/ ).

 foto de Maurício Jelê 

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A SURPREENDENTE SONORIDADE INSTRUMENTAL DA BATERIA PELAS MÃOS DE DI STEFFANO

A MÚSICA INSTRUMENTAL BRASILEIRA É MUNDIALMENTE CONHECIDA E A SAFRA DE NOVOS ARTISTAS QUE TRILHAM O CAMINHO DA BOA MÚSICA É ABUNDANTE. ESTE É O CASO DO BATERISTA DI STÉFFANO.

* Por Heloísa Godoy 

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Músico brasileiro com mais de vinte anos de carreira, três discos lançados e um DVD, Di Stéffano Wolff Bazilio ou, somente, Di Stéffano como é conhecido, é compositor, baterista, produtor, arranjador e educador musical. Natural do Rio Grande do Norte, o músico começou a tocar bateria desde muito cedo e, aos 10 anos, fez suas primeiras apresentações.

Radicado em Brasília após longo período no Rio, Di Stéffano realizou trabalhos com grandes nomes da música, dentre eles Boca Livre, Carlos Malta, Leny Andrade, Daúde, Dominguinhos, Sergio Farias, Ivan Mazuze, Geraldo Azevedo, Arthur Maia, Ricardo Silveira, Diogo Monzo Trio, João Donato, José Carlos Almeida, Ivan Mazuze, Marcos Lussarray, Carlinhos Veiga, Banda Canal, Guilherme Arantes, Daniel, Marcelo Martins, Ivan Lins, Leila Pinheiro, Zé Ramalho, entre outros.

Em sua música, sua sonoridade caracteriza-se em incluir elementos do samba, jazz, fusion, música nordestina; sempre com um repertório muito alegre, melódico, cheio de sutilezas com sotaques que passeiam pela música brasileira e africana.

Entre os prêmios recebidos estão o Grammy Latino 2010 com o CD “O Tempo e a Música” do baixista Arthur Maia e o de Melhores da Música Brasileira (Menção Honrosa) com o CD “Recomeço”, de 2016.

RECOMEÇO (2016)
Di Stéffano

Independente

Lançado em dezembro de 2016, “Recomeço” é o terceiro disco solo de Di Stéffano. Autor e arranjador das 11 faixas (três delas em parceria), neste trabalho o músico se cercou de grandes instrumentistas: no Acordeon, Lulinha Alencar, na guitarra, Daniel Santiago, no violão, Sergio Farias e Cacá Velloso, no sax, Josué Lopez, Marcelo Martins e o moçambicano Ivan Mazuze, no piano, David Feldman, André Mehmari, Vitor Gonçalves, Emerson de Oliveira e Eduardo Taufic, na percussão Gustavo di Dalva, na clarineta Renata Menezes e no trompete e flugel, Jessé Sadoc, Fabinho Costa e Marcos Santos. Trabalho gráfico de Cleiton Martorano. Um CD primoroso que confirma ainda mais o nome de Di Stéffano na lista da nova safra de grandes músicos brasileiros.

PRINCIPAIS SHOWS

Encontro IMESUR – Chile 2016

Ivan Mazuze – Turnê Ubuntu 2016/2017

Boca Livre – Turnê Boca Livre e Ao Vivo 2007/ 2008

Carlos Malta – Turnê pelo Brasil – shows em vários festivais, dentre eles, o Mimo 2012 / 2014

Arthur Maia – Shows no Brasil e turnê pela África do Sul 2006

Ricardo Silveira – Festival Chorojazz em Jericoacoara – Ce – Brasil 2015

Casa Thomas Jeferson – Brasília – Brasil 2010, 2014 e 2017

Embaixada dos EUA em Brasília – 03 de julho de 2012

Turnê Circular Brasil – Petrobrás 2007

Sala Baden Powell – Rio de Janeiro 2010

Daniel e Orquestra Sinfônica de Brasília 2016

Guilherme Arantes e Orquestra Sinfônica de Brasília 2016

DISCOGRAFIA PRINCIPAL - SOLO

CD Ribeira Jam – 2006

DVD Di Stéffano ao Vivo – 2008

CD Outros Mares – 2012

CD Recomeço – 2016

SIDE MAN

Cd Daúde (RJ)Codigo D – Lab 40 2015

Cd Ricardo Silveira (RJ) Jeri ao vivo – Sonora Music 2016

Cd Arthur Maia (RJ) O Tempo e a Música –“Grammy Latino 2010”

Cd Arthur Maia (RJ)Ao vivo – Canal Brasil 2017

Dvd Arthur Maia (RJ) Ao vivo – Canal Brasil 2017

Cd José Carlos Almeida (DF) Dois Horizontes 2016

Cd Diogo Monzo (RJ) “Meu samba parece com quê?” 2014

Cd Diogo Monzo (RJ) “EÇA” – Fina Flor 2017

Dvd Vanessa Pinheiro (DF) – FAC 2011

Dvd Bel Maia (GO) 2013

Dvd Sergio Groove (RN)2007

ENTREVISTA...

Revista Keyboard Brasil – Você começou a tocar bateria aos 10 anos. Como surgiu o interesse e por que esse instrumento? 
Di Stéffano – A bateria e a percussão sempre me fascinaram. Comecei a me envolver com a música aos meus oito anos de idade através de meu tio Expedito quando montou uma banda de baile na cidade de Parnamirim, em Rio Grande do Norte. E, eu convivi nesse ambiente até os meus 12 anos de idade. Logo formei um grupo com meus amigos e começamos a atuar nos musicais da igreja.

Revista Keyboard Brasil – Soube que você toca um pouco de piano também. Mais algum instrumento?  
Di Stéffano – Eu sou um curioso e não me considero um pianista. Faço alguns acordes para me ajudar quando concluo uma música. Fora isso, toco percussão e ainda este ano, pretendo estudar um instrumento de sopro.

Revista Keyboard Brasil – Fale sobre sua formação musical. 
Di Stéffano – Eu sou autodidata e ao passar do tempo, já como músico profissional, participei de alguns cursos de verão e também de inverno em alguns Estados do Brasil e quando fui morar no Rio de Janeiro, tive aulas particulares com músicos renomados como Pascoal Meireles, Robertinho Silva e Cláudio Infante.

Revista Keyboard Brasil – Quais suas influências? 
Di Stéffano – Minhas influências passeiam pela obra musical de Luiz Gonzaga, Jackson do Pandeiro, Ivan Lins, Milton Nascimento, Herbie Hancock, Leo Gandelman e Cama de Gato. Já na área da bateria, os artistas que sempre me emocionam em tudo que já gravou e tocando ao vivo, posso citar o Carlos Bala, Paulinho Braga, Cesinha, Edu Ribeiro, Jorginho Gomes e João Barone. Curto muito seus trabalhos e o estilo de cada um. Fora do Brasil, eu gosto do Vinnie Colaiuta, Mokthar Samba e Brian Blade.

Revista Keyboard Brasil – Como é o Di Stéffano compositor? Como surge a inspiração para você?
Di Stéffano – Todas as minhas composições aconteceram da mesma forma. Posso estar andando na rua, em casa e, de repente, vem a melodia à minha mente, já com o ritmo e muitas das vezes com a ideia do instrumento que fará o tema principal da música.


Revista Keyboard Brasil – Como se deu a escolha dos músicos em seu último trabalho ''Recomeço''?

Di Stéffano – Sou amigo de todos eles e isso é um fato importante na largada desse processo de escolha dos solistas e dos acompanhantes que farão parte do CD. Faço a pré produção de cada música e, em seguida, escolho o melhor estúdio e ‘sento a mão’ (risos). 

Revista Keyboard Brasil – Como é sua rotina de estudos? Pratica todos os dias? 
Di Stéffano – Eu aprendo muito ouvindo música, mas todos os dias sento para estudar e sempre pesquiso ritmos de outros países, sobretudo os ritmos da música africana e do jazz europeu.

Revista Keyboard Brasil – Fale sobre seus projetos em andamento. 
Di Stéffano – Estou em turnê lançando o novo CD Recomeço, trabalhando com o Diogo Monzo Trio na “Turnê Luiz Eça” e ministrando workshops.

Revista Keyboard Brasil – Gostaria de deixar alguma mensagem? 
Di Stéffano – Vamos ouvir música boa, estudar, procurar bons professores e não se esquecer de cuidar da saúde. Viva os sons, viva a música!

CONTATOS:
(61) 9 8270-2583 (whatsApp) Tim / 
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* Heloísa Godoy é pesquisadora, ghost writer e esportista. Há 20 anos no mercado musical através da Keyboard Editora e, há 10 no mercado de revistas, tendo trabalhado na extinta Revista Weril. Atualmente é publisher e uma das idealizadoras da Revista Keyboard Brasil - publicação digital pioneira no Brasil e gratuita voltada à música e aos instrumentos de teclas.